传统笔墨的掌握：对传统笔墨的学习主要是解决好笔法和墨法两个问题。中国画人物小品与“文人画”有着紧密的血缘关系，它的用线是中国深厚的文化和民族独特的审美心理的积淀物，特别讲求书法入画。如果不懂得中国画用线的人，那就无法进入中国画的大门。中国画经过几千年的演绎，无论用笔如何变化，但历代画家在用笔的总体追求上是一致的：那就是用笔需平（平稳）、厚（厚重）、留（留得住）、韵（有韵味）。
笔法。用笔包括“起笔”、“行笔”、“转折”、“提按”、“收笔”等。最关键是要把握好力度速度、笔锋笔顺和笔笔生发等几个环节。
力度速度。有力度的线条才能给人以美感。用笔的提按就是体现力度的重要方法，也是体现作品风格和气质的重要标志。行笔时用力往下按线条则粗壮，往上提笔线条则秀逸。行笔的快慢本无绝对标准，行笔快未必草率，行笔慢未必涩滞。行笔的快慢全在画家的秉性和气质。总的要求是平稳、沉着、有韵致。古人讲的“棉里裹针”、“如锥画沙”、“屋漏痕”等等都是用笔力度速度的极好形容。
笔锋笔顺。笔锋有中侧、顺逆、藏露之分。在一幅中国画里，使用一种单一笔法完成的作品都将是乏味的，只有各种笔法交织互用，才能有变化，才能产生美感。更多的用笔还要从书法中细心揣摩与体味。笔顺是讲用笔的先后次序。一幅小品画，看似漫不经心的随意挥洒，实则是画家的精心安排。合理的笔顺，有利于表现作品中的韵律与和谐。
笔笔生发。它是指用笔的理念及画家在用笔过程中随机应变的能力。也是画家用笔达到炉火纯青的重要标志。老子讲：“一生二，二生三，三生万物”，用笔亦然，。一笔落纸，笔笔相随，画家用笔的起、行、提、按、转、折、收，是在前一笔的基础上生发出来的，这样的用笔才能有节奏感、韵律美。
墨法。在中国画发展长河中，历代画家对墨法的论述颇多，比如：“墨分五色”、“墨分六彩”。好的用墨能使画面层次分明、变化莫测，产生强烈的感染力。用墨总的原则是墨色既要有变化，又要和谐有韵律，好似一首动听的“交响乐”。
一般来讲，墨分浓墨、次浓墨（中墨）、淡墨、次淡墨、淡墨。在实际操作中，笔上蘸墨与用水的多少不同，还可以形成更丰富的墨色色阶。浓墨的作用是体现一幅画的精神所在。浓墨的运用既要“醒目”，又要“和谐”。“醒目”是找对比关系，“和谐”是找统一关系。浓墨一般要见笔，要肯定。淡墨是黑白灰中的灰色调。它在画面中起着“中解”、“ 中和”的过渡作用，它是“黑”通向“白”的桥梁。淡墨能给人以“安祥”、“温馨”、“平和”的感情启示。宜表现“简淡”、“空灵”的境界。淡墨的运用切忌浮而飘。用淡墨能做到淡而厚才是高手。干湿是指笔内含墨量的不同而在纸上留下的不同笔痕。湿墨易表现淋漓、酣畅，过之则甜腻少精神。干墨易辣易厚，过之则枯索少韵。干湿互用则能达到“干裂秋风、润含春雨”的境界。
破墨法。它是水墨写意画中最常用的墨法。两种色度不同的墨，再含以不同量的水分，在将干未干时互相重叠即为破墨。例如浓淡、干湿、线面、墨水、色墨之间的互破。破墨用得妙，会给人以丰富、华滋、深厚之美感。
积墨法：此法多用在山水和花鸟画中，人物画中也时常用到。它一般是用小笔触湿墨在干墨上交错叠加一遍或多遍，以达到浑朴、厚重的效果。积墨法多有用于补救弱笔和败笔。
泼墨法：它一般是用较大的笔，蘸以较多量的不均之墨水，随意挥洒涂写，而后稍事勾点。破墨法不对形过分要求，一般用在面积较大的形体部位，或者不需要明确结构或形状伸缩性比较大的对象上。在小品画中多用在人物的衣饰或配景上。
没骨法：它一般用在画面上有大面积墨色的部位。常常采用大笔横卧，以浓淡块面的墨直接表现形体。笔法多以写、擦、揉、点并用。没骨法要处理好笔上的含墨量和笔顺，力求一气呵成，达到酣畅淋漓之美。
绘画章法的运用：人物小品画一般讲求激情和随意性，它是画家无拘无束、自由抒情的产物。如果没有一定基本功的锤炼，随意性将导致盲目性，画家必须经过一个从有法到无法的过渡阶段。小品画的画面营造比较自由，应主要把握好主与宾、虚与实、点线面、气与韵等几个关系：
主与宾。在中国画人物小品中，宾主分明是很重要的。一幅画要有一个中心，一个主角，否则会导致画面杂乱。突出主体的方法一般有：以大突出、留白突出、用力的导向突出、地平线、缺口圆突出等方法。
虚与实。虚实之法是文学艺术中常用的手法。具体到绘画中，画面是有限的，要利用有限的空间表现无限的情感，这就要通过迂回、藏境的手法，也就是运用虚实，给人以联想，扩大画外意境，以小画表现大境界。一般来讲，画面中虚实无处不在。主与宾的虚实、线与面的虚实、前与后的虚实等。虚实处理恰当，画面主题突出，灵活多变、出神入化。虚过之导致画面零乱，实过之导致画面死板无生气。 点线面。点，在中国画中有着举足轻重的地位。历代绘画高手无不重视对点的运用。作画时，我们往往画好线后，总感到缺点什么，假如点上一些点子，就会感到画面完整多了。点子在中国画中可以是苔点、草丛、石块等，也可以什么都不是，它已是中国画中不可或缺的表现语言。线，在中国画中占居着主导地位，甚至有人称中国画是线的艺术。历代画家对线的研究，已经达到了炉火纯青的地步，为我们留下了大量宝贵的经验。假如在中国画中把线抽掉，那等于抽掉了中国画的筋骨。水墨淋漓、泼辣纵横的墨团将变成毫无生气的毛皮烂肉。面，在中国画中泛指放大的点和加宽了的线，一般是指各种色阶的墨团，它也是中国画中不可缺少的组成部分。墨团能给人以重量感、体积感，在画面中起到稳定作用。处理好点、线、面三者的关系，使之达到即对立又统一，画面就会出现生机。
气与韵。气韵是指画面的总体气势和韵致，也是评判作品艺术水平的重要标志。南齐的谢赫在《古画品录》“六法”中把气韵生动列为首要。气和韵都包括作品的内容和形式。“气”派生出气势、骨气、风气，是指画中贯注的一种激情。“韵”派生出韵味、趣味、滋味，偏重指画面的节奏、旋律等构画要素的和谐。在画面的气韵上从吴昌硕的作品中会得到有益的启示。
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2 、画外功的积淀
要想作为一个优秀的中国画小品画家，仅仅练好画内功还是不够的，还需要有长期的画外功积淀。常言道“画到高处画素养。”可见，一个优秀的画家一定是一位综合素养很高的艺术家。试想不懂诗文、不通书法、不懂篆刻、不懂其他姊妹艺术的人，尽管他的绘画技巧再好，也难创作出好的艺术品。画外功一般包括书法、篆刻、诗词、文学、哲学、音乐、舞蹈等等。多接触这些姊妹艺术，一定会从中得到艺术相通的启示。 3、要遵循的创作规律
中国画起源于哲学，画中充满着辩证法。而且中国画强调写心，历代大师的作品无不是他们心灵的写照。因此，学习中国画必须从学习传统开始，只有沿着传统——写生——创作着条路螺旋式前进，才能达到“随意挥洒”、“聊写胸中之逸气”的目的。
三、中国画人物小品的作画步骤 |
